Существует такое расхожее мнение, что в направлении contemporary music работают музыканты, не отмеченные особыми талантами. Мол, музыка простенькая, фоновая, ну и играют ее соответственно если и не неумехи, так уж точно не величины.
Отчасти это верно; в этой области подвизается немало музыкантов "второго сорта". С другой стороны... А где, в каком направлении их таких мало? Судить все ж таки стоит не по расхожим мнениям, а непосредственно по музыкантам.
И вот — один гитарист, который совсем уж не подходит под это расхожее мнение — Craig Chaquico.
Ну, как минимум музыкант не второго сорта. Гитарист известнейшей и популярнейшей в свое время группы Jefferson Starship и ее последующей инкарнации Starship Project, гитарист, названный "лучшим поп-гитаристом" по мнению журнала Guitar Player, музыкант, выпустивший сам более миллиона пластинок и участвовавший в записи многих десятков альбомов, ставших платиновыми и золотыми.
Сложно наверное назвать такого "второсортным", а?
"Вики" почему-то поместила его в список представителей new age, некоторые ресурсы определяют его в джаз, другие в поп-музыку, третьи — еще куда-нибудь... С чего бы? Да все очень просто. Закончив работу в Jefferson Starship и Starship Project, Craig занялся сольной карьерой, одновременно став сессионным музыкантом. Причем одним из самых востребованных. С кем он только не писался, кому только не помогал на записях. А сессионный музыкант по определению должен одинаково хорошо играть в любой стилистике, в любой технике, какая потребуется по ходу работы в студии.
Судя по всему, эти умения и нашли свое отражение в его сольных работах и коллаборациях.
Но не только и не столько за это я отмечаю этого музыканта.
Главное — это то КАК он играет.
Во-первых, у него есть собственный, абсолютно узнаваемый звук. Неважно, играет он на электроакустической гитаре Carwin или на досках Carwin и Fender, или акустике Washburn . Его звучание узнается с первой же ноты. Неподражаемый, хрустально-звонкий, прозрачный и чистый звук электро- и просто акустики, певучий, слитный звук досок, чрезвычайно плавный и насыщенный одновременно. Он пользуется очень тонкими струнами и металлическим медиатором. Кроме того, у него крупные руки с от природы очень сильными и одновременно гибкими кистями и пальцами, что безусловно дает о себе знать в технике игры.
Во-вторых, — техника игры вообще и техника звукоизвлечения в частности. Я, пожалуй, почти ни у кого не слышал такого легато, как у него. Послушайте например вот эту знаменитую композицию Cafe Carnival, там, где он переходит с электроакустики на доску:
И мелодически и гармонически и темпо-ритмово... Но послушайте, как звучит каждая нота. Абсолютно точно, абсолютно уместно. Ничего лишнего! Ничего недостающего! Тютелька в тютельку. В каждом сыгранном такте десятки "вкусных" нюансов — смены уровня в соседних нотах, безударные подтяжки "на послезвучии", акценты, вибрато... Каждый такт, каждая музыкальная фраза полностью закончены, продуманны и безукоризненно сыграны...
Есть у нас такой Дидюля, пытающийся работать примерно в таком же направлении. Господи, какое убожество! Мучает одну и ту же коротенькую, безыскусную фразу в разных тембрах, расхаживая петухом по сцене, и представляется супервиртуозом. Поставь его рядом с Крейгом на одной сцене, боюсь, — не яйцами забросают.
Craig Chaquico играет ту музыку, которую хочет играть. Выступает на джазовых фестивалях и рок-площадках. В его исполнении можно услышать и блюз и рок и джаз и поп...
Полагаю, он имеет на это полное право просто потому, что играет всегда замечательно.
Всячески рекомендую послушать. Хотите — как фоновую музыку. Хотите — вслушивайтесь в каждую ноту, в тонкости исполнения, аранжировки, в красоту звучания. Как угодно.
Заводных мелодий, от которых ноги сами пускаются в пляс?
Или, может, безудержного драйва и скоростных гитарных соло?
Если ответ — "да", вынужден разочаровать — всего этого вы здесь не найдёте. Альбом, о котором пойдёт речь дальше, исполнен боли, мрака, уныния и депрессии. Кто готов погрузиться с головой в эту атмосферу — добро пожаловать!
Пожалуй, The 11th Hour нельзя назвать группой в привычном смысле этого слова. Фактически, это личный проект одного человека — голландца Эда Варби. Драммер дэт-металлических коллективов Hail Of Bullets и (в прошлом) Gorefest, этот музыкант известен ещё и своим сотрудничеством с легендарным прогрессивщиком Арьеном Лукассеном в проектах Ayreon и Star One, тоже в качестве ударника. Но однажды Эд решает начать играть и на гитаре, так как ему не хватало средств для выражения всех своих идей. А спустя какое-то время, вдохновлённый творчеством Candlemass и других думстеров, Варби записывает свой собственный альбом в жанре doom metal. Так появился Burden Of Grief.
Это дебютный релиз в рамках проекта The 11th Hour. Львиная доля работы принадлежит самому Варби — он сыграл на всех музыкальных инструментах, спел чистым вокалом. Но в альбоме планировалось использовать ещё и гроулинг, и вот тут-то не обошлось без помощи шведского вокалиста Роджера "Rogga" Йоханссона, участвовавшего в коллективах Demiurg (Swe), Edge Of Sanity, Bolt Gnawer и др. Также Рогга внёс свою долю в написание текстов к песням.
Данный альбом является концептуальным и в какой-то мере даже автобиографичным — ряд деталей сюжета повторяет события из жизни Эда Варби. Действие начинается с того, что главный герой узнаёт о своём диагнозе — эмфизема лёгких*. То есть, он обречён на мучительную смерть от медленного удушья. Протагонист вспоминает свою жизнь, события прошлого; его мучают ночные кошмары и угрызения совести. Он ищет прощения у тех, кого давно покинул. Финал истории — сцена смерти главного героя.
*(На самом деле, в самом альбоме не упоминается конкретный диагноз, речь идёт просто о смертельной болезни лёгких. Насчёт эмфиземы уточняет сам Варби в своих интервью — его родители умерли от этой болезни, что отразилось в лирике альбома)
Эд Варби Роджер Йоханссон
Стилевая принадлежность этого релиза не оставляет простора для дискуссий и сомнений — перед нами образец жанра death/doom metal. Альбом монолитен, все треки на нём исполнены в едином ключе — неторопливые мелодии, тягучие, но мощные гитарные риффы, разбавляемые иногда вкраплениями клавишей и виолончелей. При этом мелодии всё же достаточно выразительны, чтобы песни можно было отличить друг от друга. "Открывашка" One Last Smoke задаёт тон всему альбому. Хоть она и и вполне стандартна в плане структуры композиции, но обладает эффектными вступлением и проигрышем в середине. Следующая за ней In The Silent Grave — на мой взгляд, не самая интересная в альбоме, но чётко держит линию; финальная фраза в ней повторяется на протяжении двух минут, словно бы пытаясь свести слушателя с ума.
Одиннадцатиминутная Origins Of Mourning — пожалуй, самая драматичная композиция в этом альбоме (ну и, чего скрывать — моя любимая), особенно её серединная часть: роскошное гитарное соло, переходящее в клавишный проигрыш, к которому затем подключается чистое пение Варби. Далее — атмосферные Weep For Me и Atonement. И завершает альбом выразительная Longing For Oblivion — в ней к середине музыка затухает, и остаётся слышно лишь пиканье кардиограммы под тихий клавишный аккомпанемент. Вскоре вместо коротких сигналов послышится один длинный — и тогда снова вступают тяжёлые риффы, переходя в конце концов в траурный виолончельный проигрыш.
О вокальной составляющей альбома хотелось бы рассказать отдельно. С одной стороны здесь чистый высокий вокал Варби — мягкий, вкрадчивый, но при этом очень выразительный и эмоциональный. От этого голоса просто веет страданием и смертной тоской, что как нельзя лучше вписывается в общий настрой альбома. С другой — низкий, рокочущий гроулинг Йоханссона, который сам по себе звучит жутковато, а уж в сочетании с тяжёлыми гитарными риффами просто-таки вжимает в кресло, на котором сидишь. Контраст этих двух вокалов придаёт альбому ещё большего драматизма.
Вот такова эта трагическая история длиной в 52 минуты, рассказанная под тяжёлую, но всё же по-своему красивую музыку.
Я бы не стал рекомендовать этот альбом широкой аудитории. Но любители направления, я надеюсь, оценят.
Для заинтересовавшихся: одно из интервью с Эдом Варби, посвящённое The 11th Hour и не только
Голландскому мастеру Арьену Энтони Лукассену в 2008 году снова понабилось создание нового, очередного проекта. Работа над масштабной техногенной progressive космооперой 01011001, с огромным количеством звёздных вокалистов, была завершена. К новому проекту Арьен подходил с чёткими музыкальными идеями, как выяснилось для меня — гениальными. И начал набирать соответствующую команду. Его соратниками стали: гитаристка Лори Линструт, ранее игравшая с ним же в его проекте Stream Of Passion, бывший барабанщик Porcupine Tree Крис Мейтленд, а также совсем не известный в "прогрессивных" кругах вокалист альтернатив-рок группы Arid Йеспер Стиверлинк. С очень интересным голосом, я скажу. Именно благодаря такому составу и композиторскому гению Лукассена мы имеем на выходе... шедевр, не побоюсь этого слова. Сам Арьен написал партии баса, акустической гитары и клавишных для альбома. Для пробы он дал написать текст одной песни для Лори, и был просто поражён им, приятно удивлён его поэтичностью. Тогда он позволил ей написать тексты и для всех остальных песен тоже.
Музыка в альбоме имеет очень стильный, выверенный, красивый саунд. Она балансирует между меланхоличными акустическими наигрышами, приправленными фирменными лукассеновскими синтезаторными клавишными в техногенном ключе, и мрачным прогрессивным металлом с сочными риффами. Но превзошёл всех барабанщик. Он показывает очень разнообразную, техничную игру, используя все возможности ударной установки. Мелодика чёткая, очень красивая, цепляющая. Но самое главное — это атмосфера самой настоящей машины, техногенного будущего, мрачного и тёмного. Тексты очень поэтичны, альбом концептуальный, рассказывает в пробирающем до сердца ключе о разрушительном чувстве вины, ошибках прошлого, печали, цикличности жизни. Для альбома были записаны телефонные сообщения из самых разных стран на разных языках, а в песне Over одна девушка под стильные атмосферные механические звуки проникновенно говорит на русском:
"Жизнь поступает с тобой так жестоко. Я знаю, что я нужна тебе, но... мы встретились слишком поздно, и я про не могу с тобой. Прости"
Композиции длинные, в основном по 10 минут, развивающиеся.
Итог: Один из лучших альбомов в прогрессивном металле. Очень атмосферный. Редкий случай, когда прекрасные составляющие складываются в красивую и цельную мозаику.
Люди, постоянно слушающие музыку по много часов в день, а также отличающиеся тягой к разнообразию, неизбежно приходят в к тому, что начинают ощущать кризис на современной музыкальной сцене. Все более ли менее типичные жанры переслушаны в разные периоды жизни, и тогда начинаешь обращать внимание на разную экспериментальную музыку, причём хочется, чтобы она была не так сложна для восприятия, как, скажем, электронный проект Autechre.
В моём субъективном понимании, по-настоящему подсаживается на пост-рок тот, кто уже пресытился всей музыкой, и ожидает какого-то нового, инновационного подхода. Познакомившись с пост-роком, он понимает, что это полностью его, и потом слезть уже будет трудновато, потому как привыкаешь к этому новому звучанию, и стандартная музыка потом кажется уже "прошедшим этапом" становления музыкального вкуса.
Дедушкой пост-рока был краут-рок, появившийся уже в шестидесятых. Ещё один жанр-предшественник — шугейзинг, который на ранних этапах частенько соединялся с дрим попом. В краут-роке впервые были предпосылки отказа от аккордов и риффов, создающих ритмическую аранжировку для вокала, в пользу инструментальной музыки и создания тембров, музыкальных структур, которые становятся такими специфичными саундскейпами. Шугейзинг же использовал плотную гитарную стену звука с помощью разных примочек для гитар, пространственные гитарные фоновые переливы. Оба этих жанра в большей степени повлияли на пост-рок.
Но сам термин появился лишь в 1994 году благодаря критику Саймону Рейнолдсу и альбому Bark Psychosis «Hex». Позднее Рейнолдс развил эту идею в 123-м номере музыкального журнала «The Wire». Он использовал термин «пост-рок» для описания музыки, «где свойственные року инструменты применяются в не-роковых целях, гитары используются для создания тембров и текстур, а не риффов и аккордов». Позднее им же были обозначены перспективы пост-рока:
цитата
Быть может, одна из перспектив развития музыки в будущем лежит… в кибернетическом роке; не только методология Техно, но и какая-то взаимосвязь между традиционной игрой на инструментах и использованием цифровых эффектов и аксессуаров.
Словечко не только прижилось в музыкальной среде, но тут же начали появляться куча групп, специально играющих пост-рок, и хотя некоторые истинные творцы интересной музыки избегают всяческих ярлыков и никак не характеризуют свою музыку, всё же к пост-року она относится хотя бы чисто стилистически.
Пик возникновения самых интересных групп пост-рока пришёлся на конец девяностых. В новое тысячелетие мы вошли уже с сформировавшимся новым жанром, все нашли в нём способ выражения своих музыкальных идей, создания интересной музыки, такую, какую музыканты и хотели создавать.
Сейчас уже есть несколько видов пост-рока, их описания и описания групп, играющих их, я даю ниже.
Классический пост-рок, а также самые популярные группы
Судя по ласт-фм, самой прослушиваемой и популярной группой пост-рока является исландская группа Sigur Rós.
цитата
Отважно заявляя, что они «полностью изменят будущее музыки», исландский квартет изобретает собственный стиль, строит собственный музыкальный мир, исполненный драматизма, романтичный и отталкивающий одновременно. В их вопиющей оригинальности отчасти «виновата» родина. Исландия, которая, как известно, никогда не была центром рок-н-ролльной культуры, околдовывает раз и навсегда. Музыканты Sigur Rós не представляют, как могли бы долго жить за её пределами, не говоря уж о том, чтобы покинуть её навсегда.
Sigur Rós с первых шагов всегда отличала экстравагантность, чтобы не сказать — дерзость. Вокалист Биргиссон, например, изобрел специальный язык («никто не понимает его, кроме меня»), на котором написаны некоторые песни группы. Это невероятная смесь исландских слов и звуков собственного сочинения, так что буквально понять их тексты не могут даже соотечественники. Но это не мешает Sigur Rós завоёвывать симпатии меломанов всего мира, равно как и критиков самых строгих музыкальных изданий. Своей электрогитарой Jonsi Birgisson тоже пользуется специфически, играя на ней с помощью смычка, как на виолончели.
Это неземная, волнующая и очень атмосферная музыка, чарующая своим волшебством и красотой, но иногда и отталкивающая силой и холодностью.
Классический пост-рок исполняют как группы, стоящие у истоков жанра (каким мы его видим сейчас), так и множество образовавшихся потом молодых команд, обладающих собственным звучанием.
Столпы жанра:
Godspeed You! Black Emperor — канадцы уникальны своим резким, сложным и отталкивающим звучанием, настоящая музыка апокалипсиса.
Mogwai — культовые британцы, которые и дали пост-року широкую дорогу альбомом Young Team в 1997 году.
Explosions in the Sky — классический пост-рок, отличная группа, вызывающая своими импровизациями целый спектр эмоций.
Mono — японцы одни из лучших в пост-роке, создают целые музыкальные шедевры
Новые интересные команды:
This Will Destroy You — рекомендуется
Yndi Halda — очень интересное звучание, и мрачное, и светлое, и красивое, и сложное.
Caspian — рекомендуется
pg.lost
Gifts From Enola — рекомендуется
The Evpatoria Report
Long Distance Calling
Ef
Red Sparowes
Crippled Black Phoenix
Отдельно стоит выделить группу с непередаваемой космической атмосферой, которая у многих на слуху — God Is An Astronaut, но это не совсем "чистый" пост-рок.
"Неклассический" пост-рок (пост-метал, а также с примесью мат-рока, эмбиента и электроники)
And So I Watch You From Afar (+math rock)
65daysofstatic (+math rock, electronic) — это просто боги. Айухенная группа.
The Album Leaf (+ambient, electronic) — любимая моя группа. Джимми ЛаВалле создает потрясающую и красивую музыку, используя электронные сэмплы, гитару, клавишные и контрабас (и не только их), мелодии и песни, которые очень трогают и доставляют.
Hammock (+ambient, shoegaze) — ещё одни мои любимчики. Музыка, просто уносящая вдаль к облакам.
Joy Wants Eternity (+ambient, shoegaze)
Saxon Shore (+ambient)
Russian Cirles (+post-metal) — меня не впечатлило
If These Trees Could Talk (+post-metal) — настоятельно рекомендуется
Tides From Nebula (+post-metal)- поляки хороши, хотя у них всего 1 альбом
The American Dollar (+ambient, electronic) — просто прекрасная группа
Maybeshewill(+math rock)
A Silver Mt. Zion — выходцы из Godspeed!You BE, так же оригинальны, как и неоднозначны.
Указанные группы — лишь малая часть тех, что вообще существуют, очень много сейчас этого дела стало. Но новички, которых много и в России и СНГ, пока не выдают хорошего качества записи, хотя материал у них и неплохой.
На этом я свой обзор заканчиваю. Используйте форумы и сайты пост-року — и узнаете горадо больше групп, если вас заинтересовал жанр.
облако тэгов
