Музыкальная рубрика

Кардинальные изменения музыкального курса или творческого подхода – могут, как положительно изменить карьеру и творческий потенциал индивидуума, так и полностью сломать ее из-за одной ошибки. Особенно, если музыка этого индивидуума строится на общей интимности и камерной мрачности. С другой стороны – кто не рискует, тот, как известно, не пьет шампанского. Так, видимо, подумал и Мэтт Эллиотт, прежде чем основательно перевернуть все для себя с ног на голову.

Творческая личность Эллиотта четко делится на две части – одна часть делает мрачный драм-энд-бас под логотипом “The Third Eye Foundation”, но ее мы отложим в сторону сразу – она, безусловно, добавляет общего богатства портрету музыканта, но в контексте данного текста – нас эта часть интересует постольку-поскольку.

Интересует нас его творчество под именем собственным. Оно представляет собой мелодичный, атмосферный, и донельзя мрачный авант-фолк, подразделения “sad bastard folk”. Будучи великолепным акустическим гитаристом и не менее талантливым сочинителем, занимался он этим в одиночку – ну так, разочек позвал кого-то там на пианине сыграть. Отсутствие группы поддержки на качество выдаваемого материала не влияло никак – тупым бренчанием он не страдал, щедро разбавляя свою игру как электронными и эмбиентовыми фишками родом из иного своего проекта, так и всякими фламенко, да балканским и славянским фолком (благо, его мать – родом из Эстонии, а самым сильным музыкальным впечатлением сам Эллиотт называет услышанный им в детстве православный хор – и даже одна из лучших его песен посвящена подводной лодке “Курск”).

Однако же, если бы так все и продолжалось, то этот текст мне пришлось бы начинать как-то иначе, а сам Эллиотт так бы, наверное, и не реализовал свой полный потенциал. Но для подготовки альбома 2013-го года, “Only Myocardial Infarction Can Break Your Heart” он все же пошел ва-банк и группу музыкантов собрал.

Изменения слышны сразу – если раньше кто-нить Эллиотта периодически и сравнивал с Леонардом Коэном, после выхода этого альбома эти сравнения подзатихли. Мэтт смог сохранить все элементы, которые делали его любимым среди поклонников, добавив очень много богатства своим аранжировкам – пианины, мелотроны, контрабас (!) – это все пошло только на пользу, не разбавив эстетику его музыки, а лишь углубив ее, добавив новое измерение.

Это углубление становится очевидным с первой же песни – 17-тиминутной “Right to Cry”. У Эллиотта уже были до этого могучие и развернутые композиции, достаточно вспомнить уже упоминавшуюся “The Kursk” или песню с лучшим названием на Земле “If Anyone Tells Me “It’s Better to Have Loved and Lost Than to Never Have Loved at All” I Will Stab Them in the Face”. Но тут-то и находится ключевое различие – на всех своих предыдущих альбомах, и в особенности на трилогии Songs – Эллиотт представал человеком настолько глубоко находящемся в депрессии, что это даже и чудо, что он еще и музыку записывал.

“The Right to Cry” сходу этот тренд меняет – тут вроде и присутствуют все стандартные элементы Эллиотта – постепенное нагнетание атмосферы, еле слышное многоголосье на заднем фоне (состоящее только из самого Эллиотта), изящная гитара, проникновенный баритон самого Эллиотта. Но благодаря добавившимся в общую картину элементам и благодаря, видимо, каким-то личным решениям Мэтта – тут не найти той бездонной тьмы, в которой он прежде топил свою музыку (как пьяницы топят печаль в алкоголе). Он не избавился от общего sad bastard-настроя, но позволил себе добавить в свое царство луч света – пусть даже и довольно злой и ироничный луч (название альбома, в принципе, характеризует его суть лучше всего).

Позволив себе допустить в музыку немного богатого, даже порой барочного тепла и успокоив, в большинстве случаев, ее темп, дальнейший путь у Эллиотта был только один, по сути своей – ведь возвращаться назад к стилистике чистого-пречистого себя – на данном этапе это было бы нечестно и даже противно его собственному творческому началу.

Нет, развиваться стоило согласно заданному курсу – и его альбом этого года выхода, “The Calm Before” – таким развитием и стал. Еще больше неоднозначности, еще больше спокойствия и размеренности, еще больше просто прекраснейших аранжировок.

Спокойствие это, впрочем, обманчиво, что обозначается и названием альбома. Да, большую часть времени Эллиотт не разгоняет песни (единственным исключением можно назвать “I Only Wanted to Give You Everything”, которая выполнена вполне в стиле традиционных для Мэтта ультрамрачных вещей родом с его трилогии), но даже без этого ему удается создать атмосферу тревожную и, так сказать, предвещающую. Придерживаясь концепта, Эллиотт весь альбом проводит, балансируя на грани между этой самой тишиной и грядущим апокалипсисом, который грозит если не разрушить все стоящие на пути жизни, то, по крайней мере, снести все устои и переделать по новой, под себя, не оглядываясь ни на чьи мнения. Сам Эллиотт, впрочем, в интервью признавался, что не считает эту грядущую бурю чем-то обязательно плохим – и весь альбом эту его позицию подтверждает, демонстрируя в полной мере его новообретенное смирение – яростных протестов вроде “Zugzwang”, которые были даже на прошлом альбоме – тут уже не обнаружить, и это, в какой-то мере, делает альбом только лучше и целостнее.

Сам Эллиотт особо отмечает две песни на альбоме – упомянутую “I Only Wanted to Give You Everything”, которая ему далась легче всего (неудивительно, опыт-то в написании и исполнении таких вещей у него немалый уже), и философскую “The Allegory of the Cave”, которую, по его словам, пришлось переписывать чуть ли не двадцать раз (и он все равно остался в итоге не слишком ею доволен).

Но на ней, на самом деле, стоит остановиться подробнее, как и на небольшой зарисовке “The Feast of St. Stephen”. Тут надо сказать следующее – я немного приврал, ну или просто прикрыл правду, когда сказал, что яростных протестов-взрывов энергии нет. Нет, музыкально-то их нет, а так как и сам Эллиотт считает себя музыкантом, а не поэтом (что доказывает и ранняя его лирика – слишком развернутых текстов у него не было до недавнего времени) – я счел возможным сфокусироваться на этом. Но на деле, лирика “The Feast of St. Stephen” – это именно обоснованный гнев в адрес всяческих религий, культов и прочей этой мишуры, и гнев этот весьма обоснован.

Но заведем же речь о “The Allegory of the Cave”. Как я замечаю, многие любимые сингеры-сонграйтеры любят вставить чуть ли не самую эмоционально мощную и глубокую песню в самый конец альбома, причем всенепременно – после того как музыкальная кульминация вроде как бы уже и произошла и место остается лишь для эпилога. Так и здесь – кульминация случилась на цыганской “Wings & Crown”, но самой эмоционально наполненной и показывающей все способности Эллиотта, как поэта – можно смело назвать именно задумчивую закрывающую песню. Она не самая музыкально развернутая и разнообразная здесь, несмотря на присутствующую сквозь трек виолончель, да и сам Эллиотт здесь играет с предельной сдержанностью, но, в конце-то концов – в том числе это песню и рекомендует.

Ведь когда ты делаешь альбом, который должен хоть как-то охарактеризовать грядущую бурю – на бурю ты должен пусть отчетливо, но намекнуть, а не вбить ее слушателю в голову молотом.

Это и характеризует Мэтта Эллиотта лучше всего – он мастер мрачной музыки, мастер своей гитары, но прежде всего – он мастер нюансов, которые на первый взгляд могут пройти незамеченными. Но находятся эти нюансы во всем – как в метаидее, так и в небольшом гитарном переборе. Может быть, в этом и заключается гениальность.

Три года назад Ник Кейв (и The Bad Seeds, конечно же) выпустил в свет свой лучший альбом, “Push the Sky Away”. Не все, конечно, согласятся с подобным утверждением, более того – не все даже согласятся, что это был хотя бы просто хороший альбом. Но одно можно утверждать с уверенностью – редко когда человек делающий музыку уже более 35-ти лет находит в себе силы настолько мощно и уверенно изменить свой творческий курс и свои музыкальные ориентиры.

При создании Push the Sky Away Кейв окончательно отказался как от мелодично-фортепианного звучания (которое он продвигал на протяжении четырех альбомов), так и от своего краткого “гаражного” этапа. Перемена должна была быть серьезной и заставляющей удивленно вскинуть брови каждого слушателя знакомого с предыдущим творчеством группы. И это, несомненно, удалось.

Драйв? А на кой он нужен — как бы восклицают Кейв с Эллисом. Напитаем альбом постоянным нагнетанием атмосферы, ощущением какого-то разворачивающегося триллера – и нормально выйдет. И ведь и правда – так только лучше.

Хуки? Ну нет уж. Придется вам цепляться за то малое, что соизволим оставить – продолжают издеваться творцы. За скрипичные и гитарные и синтовые лупы Эллиса, которые добавляют альбому призрачное качество, по словам самого Кейва. И ведь цепляемся! И так цепляемся, что через какое-то время после начала прослушивания начинаешь и задумываться – а так ли уж мелодии вообще нужны были Кейву все это время?

Мрачняка вам в текстах? Ну ладно, тут уж Ник пожалел фэнов, решил не изменять себе окончательно. Есть вам мрачняк, есть. Но как-то не так, как прежде. То ли соответствуя общей концепции, то ли действуя по чистому наитию – но Кейв и лирику сделал такой себе прекрасно-призрачной – при этом в нужной мере добавил туда традиционных своих мест и персонажей (вроде Джубили Стрит и девушки по имени Би), ну чтоб поддержать этот самый триллер. Но глядя на ситуацию в целом – он, наверное, со времен “The Good Son” не был настолько светел в своей традиционной меланхолии. А вещи вроде “Mermaids” или титульной песни, в сочетании с их мягким и задумчивым музыкальным исполнением – вообще представляют собой чуть ли не воплощение чистой красоты в музыке.

Вообще-то, обычно я предпочитаю прям уж чересчур про отдельные песни не расписывать, но в данной ситуации, я нахожу необходимым сказать кое-что конкретное по двум идущим подряд трекам. Сначала про самый, эээ, энергичный трек альбома. “Higgs Boson Blues” собой не то чтоб представляет какой-нить панковый взрыв динамики – это все же было бы абсолютно неуместно в этой общей картине. Но в контексте альбома он выглядит поистине грандиозно-неумеренным опытом, подводящим все темы к эмоциональному концу, под аккомпанемент упорного и настойчивого spiritual groove-а (с).

Но заканчивать все так, вопреки остальному материалу – было бы неправильно, конечно же, поэтому заканчивается все на минорной ноте, которая дает больше оптимизма и уверенности в себе, чем какие-нить ноты мажорные – речь о самой “Push the Sky Away”. Эта вещь заставляет бороться и “отталкивать небо” (смерть, то есть) и идти по своему пути до конца, не взирая ни на что – ни на друзей, ни на врагов, ни на судьбу, ни на самого себя.

К сожалению, судьба иногда заставляет обратить на нее внимание очень жестокими способами. Поговорим теперь о свежем альбоме The Bad Seeds – “Skeleton Tree”.

Сперва придется оговорить контекст создания и значения этого альбома. Избежать этого не удастся, хоть задача и абсолютно безрадостная.

В июле 2015-го года погиб (упал с обрыва) 15-тилетний сын Ника Кейва, Артур. Работа над следующим альбомом Bad Seeds к тому времени уже велась и даже некоторые песни уже были готовы. Но это трагическое событие изменило все. Каким бы вышел “Skeleton Tree” иначе? Об этом трудно и бесполезно рассуждать, ибо понятно, что любые сходства между гипотетической и финальной версиями имеют не столь много значения, как различия между ними.

Ник Кейв, как известно, всегда создавала образ мрачного человека – и его музыка, и его тексты всегда этому образу отвечали. Можно сомневаться в стопроцентной правдивости подобного самопредставления (и вряд ли эти сомнения будут полностью неоправданны), но творческий человек, человек искусства, артист, музыкант – он же и должен заставить нас поверить в происходящее, в открытость его эмоций, в их искренность – и Кейву это тоже всегда удавалось (что как бы и говорит, что и фальшивкой он никогда не был).

Но никогда еще Кейв не представал столь открытым, откровенным, и незащищенным на записи. Он выплескивает свою безграничную скорбь на слушателя. Он действительно выкладывает всю свою душу на обозрение – пытаясь, наверное, хотя бы и таким образом немного ее исцелить. Если вы думаете, что при этом тяжело присутствовать – вы абсолютно правы. Если вы думаете, что это нечестно и несправедливо по отношению к слушателям – задумайтесь, кто сейчас может говорить что-то о справедливости скорбящему отцу. Если вы думаете, что от “Skeleton Tree” можно просто так оторваться и не принимать участия в настолько личном и горьком моменте – подумайте еще раз.

Музыкально, если попробовать отстраниться от всепроникающего чувства того, что все не так и никогда уже не будет, так как должно быть, мы имеем во многом логическое продолжение “Push the Sky Away” – но логичное, опять же, только учитывая трагедию. Тут есть и хоры, и приглашенная вокалистка, и куча скрипичных партий – но, естественно, не стоит и надеяться, что хоть что-то из этого здесь использовано в ключе оптимистичном или хоть сколько-нибудь светлом (как это бывало на Push the Sky Away”).

Нет, на этот раз Кейв уже окончательно отказался даже от создания подобий мелодий и прочей шелухи – так же как и практически полностью отказался от пения, в большинстве песен просто интонируя текст. В некоторых моментах прямо слышно, как он заставляет себя запеть (в “I Need You”, например) – и эти моменты разбивают сердце, даже если оно до этого умудрилось уцелеть.

Разные инструментальные лупы Эллиса – это то, что больше всего связывает новый альбом с предыдущим, но в этот раз они не являются призрачным сердцем альбома – нет, тут нет места для подобной романтики. Это жилы, которые хоть как-то сдерживают вместе эмбиентально-дроновые зарисовки, производящие впечатления прямо-таки кусков плоти, которые были беспощадно вырваны из больных мест и были принуждены к какому-то последующему существованию.

Сложно, на самом деле, подходить к этой работе критически – даже если вы не являетесь поклонником творчества Кейва в целом. Тут другой совершенно уровень открытости, другой уровень эмоциональности, другой уровень самой музыки, которая как бы и не требует вообще существования слушателя (подозреваю, что и самому Кейву по большей части абсолютно все равно, как альбом будет воспринят – не для того он делался).

Не буду прикидываться кем-то, кем я не являюсь – я тоже неспособен оказался, по большей части, подойти к “Skeleton Tree” с должным критическим взором. Может и стоило бы сказать, что даже тот же “Blackstar” (тоже история одной трагедии) относился к слушателю с большей снисходительностью. Может и стоило бы сказать, что, скорее всего, я полюбил бы все эти песни и не зная ничего о причинах их существования в нынешней форме – но все же, идеальными их не назвать. Может и стоило бы покритиковать тот факт, что Кейв не поет.

Но кем бы я после этого был? Вот уж не знаю. И не думаю, что это имеет особое значение, когда ты сталкиваешься лицом к лицу с настолько глубокой скорбью облаченной в музыкальную форму.

Хотим мы того или нет, хочет Кейв того или нет, хотят ли его коллеги по группе того или нет – но “Skeleton Tree” – это музыкальное событие. Искреннее, сумрачное, эмоциональное до предела, за которым эмоций нет вообще – только пустота.

Но, боже мой, я бы променял это все на десяток Grinderman-ов, лишь бы Нику Кейву не приходилось переносить эту невозможную боль, свидетелями которой мы все стали.

Любите ли вы протест в музыке, так как люблю его я? Да, наверное, любите, скорее всего – даже сильнее, чем я. Потому что выражение протеста через свои песни – это обоюдоострый меч. С одной стороны – благодаря этому артисты могут добавить в свою музыку практически беспредельное количество жизни и энергии. С другой стороны, не менее важной – за этим самым бунтом против машины иногда может скрываться совершенно пустая музыка, а может и вообще – лицемерие творца, что еще хуже.

В любом случае, вне зависимости от вашего или моего отношения к музыкальному протесту, стоит признать один факт – в роке он больше невозможен. И это не вчера случилось – уже довольно продолжительное время в роке при практически любых попытках бунтарства и призывов к революциям – слышится лишь грохот машины и радостное потирание рук в предвкушении денежных дождей. Где же сейчас честному пассионарию найти себе отдушину? Ну, как очевидно – прямо здесь, в “Горгороде.” Сразу оговорюсь, чтоб не было сомнений каких-то – протесты и призывы к революциям – не главное достоинство этого альбома, и вообще – Мирон работает тоньше и предоставляет право слова нескольким заинтересованным сторонам.

Первым делом первое – то есть музыка. Друг Oxxxymiron-а Porchy (догадайтесь сами, почему его так зовут) – неплохой, на самом деле, битмейкер. То есть, когда вы слушаете альбом – претензий к битам практически не возникает. Все они вполне хороши и сами по себе, и находки там бывают всяческие интересные, дьявол-то в деталях, как говорится. Но стоит сразу понимать (и я это хочу обозначить прежде, чем мы пойдем дальше) – вы эти биты не вспомните через неделю. За исключением пары моментов. И биты совсем неплохи, повторюсь – просто не они тут основные создатели погоды – это скорее вишенка на торте, которая смысла без торта не имеет и вообще – хватит переедать. Окей? Окей.

Погоду тут делает сам Мирон. Я не думаю, что имеет особый смысл его сравнивать или ставить в один ряд с различными зарубежными МС-титанами. Но, его разнообразная читка, способность резко менять настроение и подачу, умение использовать различные интонации для разных героев (властный мэр, например, выражается размеренно и с ленцой, а безумный фанат – спешит выказать свои претензии писателю с ощутимой обидой в голосе) – в общем, все это, хочешь-не хочешь – а заставляет все же вспомнить про некоего Кендрика Ламара, который тоже славится всеми вышеперечисленными достоинствами. И это тот случай, когда я не сказал бы, что “наш” хуже “ихнего.” В общем, Мирон – это звезда этого представления, вы слушаете альбом, чтобы слушать его – и он не даст вам об этом забыть или пожалеть. Как минимум половина из понравившихся песен (а понравится там способны почти все, что со мной и случилось) – врезаются в память именно благодаря умелому и увлекающему флоу.

Раз уж вспомнили про разнообразных героев – пора перейти к главной отличительной черте альбома. У него есть сюжет! Как завлекательно-то звучит, правда? Нет? Не завлекательно? Ну, да и правда – сейчас везде есть сюжеты разной степени бредовости. Ну, может в русском рэпе и победнее с этим делом, не зря ж Oxxxymiron хвалился, что это первая такая концептуальная работа в хип-хопе, которая повествует не про жизнь автора, а показывает выдуманную историю. Он, правда, позабыл при этом самовосхвалении про легенд вроде MF DOOM или Masta Ace – но творческим людям простительно.

Да, в любом случае, про сюжет. Он есть, он не отличается какой-то особой оригинальностью, но в целом неплох – не хуже какой-нить “Стенки”. В этом самом Горгороде жил себе был писатель (тут Мирон явно следует старому правилу – пиши, о чем знаешь.) Жил и не тужил, вечеринки, алкоголь, наркота, девочки – все аксессуары успешного человека. О своих ранних бунтарских выходках и произведениях – даже и помышлять забыл. Но тут звонит надоедливый фанат – и все завертелось. На нервы начинает действовать литагент, находится та самая единственная, в его жизнь встревают злобный тиран-мэр и полусумасшедший революционер-идеолог, да и самого его начинает одолевать горечь и злоба.

То есть, как я и отметил – вряд ли вы вынесите что-то очень новое для себя из всего повествования. Но, несмотря на не особо уникальную канву, в итоге сюжет и альбом-то – получились. Потому что вышел в итоге хороший бунтарский альбом, который реально способен, хотя б на минуту захотеть взять винтовку и свергнуть кого-нибудь. Вышел хороший альбом про то, как слава и признание способны убить творческий гений. Вышел хороший альбом про возможные тонкости человеческих взаимоотношений. Вышел хороший альбом про давящую и крушащую атмосферу большого города, которая знакома любому, кто в большом городе когда-либо жил. И это все – всего лишь за сорок минут. Это краткость просто восхитительна, учитывая, что концепты в наше время обычно раздуваются как минимум на целый CD.

Самое главное я как-то не сказал – вокруг походил, но приберег напоследок. Я люблю нерв в музыке, люблю драму – естественно, не я один. И нерв этот может быть выражен собственно через музыку, через тексты, через посыл, да хоть через обложку даже. Но должна быть живая эмоция, я хочу слушать людей, людей которым есть что-то сказать. И Мирону явно есть что сказать – альбом действительно невероятно эмоционален, и насыщен широким спектром разных настроений. Заскучать тут не получится вообще, ни на одну минуту. Один трек заставить злостно сжимать кулаки, другой – призовет задуматься и прочувствовать параллели, третий – принудит поежиться от описываемой мрачной картины. А самый сок остается напоследок – в эпилоге, когда все перипетии уже позади и нам остается только оценить заключительный вывод.

В традициях великой русской литературы, да и культуры в целом – не принято давать хэппи-энды. Так уж исторически сложилось. И Мирон, в принципе, этим традициям и не изменяет. Но он смеет надеяться, он как творец смеет давать шанс не на счастье, может быть, но на покой, на что-то светлое и возвышенное:

Артист: https://www.facebook.com/profile.php?id=1...>Yasuharu TAKANASHI (JAP)

Стиль: OST, epic, folk-rock

Дата: 17 сентября 2016

Город: Москва

Клуб: http://voltaclub.ru/afisha/yasuharu_takan...>Volta

Начало: 19:00

Неповторимое шоу и любимые хиты Naruto и Fairy Tail в живом исполнении! Билеты: http://deltamekong.ru/event.html?id=194&N...>Delta Mekong Concerts

Ясухару Таканаси (Yasuharu Takanashi) — музыкант исключительный, за последние 15 лет он написал саундтреки к более, чем сотне аниме (http://goo.gl/Rtu8r1), исторических и приключенческих фильмов, в том числе — популярному аниме-сериалу "Фейри Тейл" (Fairy Tail​) и культовой саге "Наруто" (Naruto​).

Впрочем, это лишь факты. О творчестве Таканаси Ясухару стоит судить скорее по его живым выступлениям, на которых он полностью стирает грани между визуальным и звуковым. Виртуозное владение клавишными инструментами смешивается с не менее внушительными гитарными партиями, которые с легкостью вписались бы в некоторые знаменитые метал-проекты.

И главная особенность музыки Таканаси — активное использование этнических инструментов. Традиционные японские флейты и барабаны, вступая в дикий танец с всем привычными гитарами и синтезаторами, превращают происходящее в совершенно исключительный экскурс в прошлое и настоящее музыкальной культуры Японии. У себя на родине Таканаси — частый гость комикс-фестивалей, вечеринок любителей аниме, а его сольные выступления нередко собирают полные залы.

Для России такое действо — настоящая диковинка, и тем ценнее становится грядущий концерт. Пропускать его не стоит, даже если вы не слышали о таком феномене, как аниме, — удивительное по яркости и выразительности музыкальное действо вряд ли оставит равнодушным кого-то из посетителей.

Билеты и подробная информация: http://deltamekong.ru/event.html?id=194&N...>Delta Mekong Concerts

Встреча в ВК: http://vk.com/yasuharu2016moscow>vk.com/yasuharu2016moscow

Мероприятие в Facebook: https://www.facebook.com/events/112628018...>www.facebook.com/yasuharu2016moscow

Артист: https://www.facebook.com/Abney-Park-31229...>ABNEY PARK (USA)

Стиль: steampunk, post-apocalyptic, rock

Дата: 16 апреля 2016

Город: Москва

Клуб: http://voltaclub.ru/>Volta

Начало: 19:00

Вот уже третий год вместе с весной в Россию приезжает одна из самых сказочных групп в современной музыке — американские мастера стимпанка ABNEY PARK. Ничего удивительного в этом нет — творчество капитана Роберта и команды дирижабля «Офелия» вряд ли может оставить равнодушным. Их мелодии приходят не то из старого джаза, не то из фантастических фильмов, действие которых происходит то ли в прошлом, то ли в будущем, то ли вообще в других, странных и удивительных мирах. Чудесный хоровод из звуков и картинок завораживает, а каждая рассказанная капитаном Робертом история вызывает бурю эмоций.

Вы еще не знакомы с их музыкой? Тогда вам лучше как можно скорее это исправить, тем более что совсем недавно ABNEY PARK выпустили новый, пятнадцатый по счету альбом, который был тепло встречен как старыми поклонниками, так и новыми слушателями.

Впрочем, как известно, живые выступления нередко оказываются намного сильнее, чем студийные работы. В случае с ABNEY PARK это заметно особенно — их концерты неминуемо превращаются в большой и светлый праздник, с удивительными посетителями, массовыми танцами, и, конечно же, потрясающей музыкой. Такое мероприятие не сможет оставить равнодушным даже человека, совсем далекого от стимпанк-культуры.

Билеты и подробная информация: http://deltamekong.ru/event.html?id=172&N...>Delta Mekong Concerts

Встреча в ВК: http://vk.com/abneypark2016msk>vk.com/abneypark2016msk

Мероприятие в Facebook: https://www.facebook.com/events/153412996...>www.facebook.com/abneypark2016msk